1-线上图片的四大类别

2-线上图片常见的五种处理方式

3-线上图片使用的五大要点

4-总结

一、线上图片的四大类别

1、 信息图片：

在页面中单独存在的图片，以图片为主要元素传达给用户有效信息。

例如好好住APP，它在“看图板块”中就使用了信息图片，重点表现图片的信息，周围无任何干扰元素或辅助信息元素。

2、 背景图片：

背景图片可以用于单个元素，也可以用于整体画面，主要作用于营造氛围。

单个元素：例如嘀嗒出行的“优惠券板块”，把插画图片应用在单个卡片中。

整体画面：例如网易云音乐的“听歌页面”，它就把歌曲封面的图片作为页面整体的背景。（图片进行了模糊处理）

3、 Banner图：

作为导航入口，引导用户点击进入详情页面，在各应用都普遍使用。

Banner图作为最常见的图片使用形式之一，大家再熟悉不过了，它可以出现在APP中的各个界面中，如：首页、个人中心、运营活动页等等，造作新家APP的首页就用到了banner图。

4、 信息配图：

作为文字的辅助元素，图片的含义需要和文字相符合才能更好地辅助传达文字的意思，反之会让用户觉得困惑。

二、线上图片常见的五种处理方式

1、图片遮照：

1-1黑色遮照：

图片与文字之间加黑色到透明度（10-60%）的遮罩，保证文字内容区域在黑色区域，目的是为了能让用户看清文字。

1-2颜色遮照：

根据图片整体的色调，在图片上加与图片色调统一的颜色遮照，保证文字的可识别性，不影响图片的正常显示。 

1-3渐变遮照：

图片与文字之间加透明度的渐变遮罩，让文字显得更加清晰，使画面过度更加协调。

2、背景模糊：

在很多场景下我们都会采用到封面图模糊处理后作为背景图的方案，为保证信息能够清晰显示会在背景上加一个深色半透明蒙层。半透明层可以取黑色、深灰色、背景颜色（深），透明度为（25%-40%），它们呈现出来的效果都各有不同，我们可以根据不同的场景选择不同的方案。

3、图片圆角：

图片圆角的使用也是十分有讲究，根据不同的产品属性去设定气质相符的圆角设计。

小圆角或直角：视觉印象是硬朗、高冷、具有攻击性的，多用于时尚、高端、冲突感强烈的设计中；

大圆角：视觉映像是有亲和力，柔软，安全的，多用于母婴产品、二次元产品、娱乐性强的设计中。

4、内容出界：

在设计banner图时我们如果只是在框框里做设计，有时候未免显得太呆板，我们可以突破画框让内容溢出，营造更大的氛围，近而使整个画面更具有冲击力。

 5、投影

图片投影的方式一共分为7大类别，分别为：普通投影、等高线投影、矢量投影、图层模糊投影、多层投影、移轴模糊投影、手动投影。（投影制作步骤可查看我之前发布的文章《七种投影详细解析》）。而在线上运用的最多的就是：普通投影、等高线投影、图片模糊投影，效果如下：

三、线上图片使用的五大要点

1、文件大小

对于位图，我们在线上场景中最常使用的文件格式无非是PNG与JPEG（在特殊情况下会用到动画GIF）。

PNG图片：

无损文件格式，我们UI设计师出图的首选，不会轻易造成细节像素模糊或输出文件变色的情况，并且支持alpha通道（透明度）。所以对于高质量图像文件建议输出为PNG格式，不过正因为像素无损，所以PNG文件大小相对较大，在特定情况下可以选择8位处理的做法来减小文件大小，在保证尽可能缩小文件大小的同时，也不会降低图像质量。

JPEG图片：

JPEG格式会损失掉图片中的一些像素细节，所以输出JPEG通常会比输出PNG的文件大小更小，适用于对于图片质量要求不过高的场景。并且JPEG格式支持对文件质量进行二次压缩，我们可以选择使用JPEG格式质量压缩的方式，在文件大小和图像质量之间找到平衡。

2、比例

UI界面中常用的图片比例是1:1、3:2、4:3、16:9。

1:1

1:1是传统的120胶片画幅，也叫大画幅，因为相机结构和其他一些原因导致了胶片是方形的，此比例更容易将构图规整的简单，能突出主体图片，通常用于头像、电商图片等。

3:2

3:2这个尺寸源于135胶卷的比例，采用这一比例并不是因为它是黄金比例，而是由相机的像场大小决定的，这个尺寸运用到线上时适用于以内容为主的应用。

4:3

4:3是随着摄影的发展，微单的出现而诞生的，3:2尺寸与4:3尺寸极为相似，在做设计时很容易混淆，不过在同屏显示中，4:3的图片内容显示略大于3:2，所以4:3尺寸更适用于以图片为主或图片与内容比重相同的应用。

16:9

16:9是根据人体工程学的研究，发现人的两只眼睛视野范围是一个长宽比例为16:9的长方形，所以电视、显示器行业根据这个的黄金比例尺寸设计产品。这个尺寸的图片在线上运用于视频播放的图片显示。

3、栅格系统

栅格系统以规则的网络阵列来指导和规范版面布局以及信息分布，而UI设计里常用的栅格系统是从平面栅格系统中发展起来，栅格系统有时候也称为网格系统。

栅格系统在图片的排版布局、尺寸设定方面给了设计者直观的参考，它让图片变得有规律，从而减少了设计决策成本，使整个画面更加具有条理，让内容的可读性变高。

移动端常用的栅格系统最小单位为4px（@1x）或3px（@1x），那么我们来看看airbnb是如何用3px（@1x）的栅格系统来确认banner的尺寸大小（sketch软件-显示-布局，就可以打开栅格系统布局面板）：

如上图，airbnb的栅格系统布局设置总宽为328px（总宽为中间6列+4个间距宽度），偏置为24px（左侧初始偏置像素），列数为6（一共分为6列），列宽45px（列数的宽度），间距宽度为12px（当不能除正数时，会自动把间距缩小1px，所以会看到有些间距为11px，有些间距为12px）

当设定好栅格系统后，我们就可以很好的得出图片的宽度：158px（45+11+45+12+45）。再根据图片比例的尺寸3:2，我们就可以算出图片的高度为：106px（158*3x2），所以图片的像素为：158px X 106px。根据相同的方法，我们可以用栅格系统+尺寸比例得出更多的尺寸大小。（注：不管是3px或4px栅格，都会出现除不整的情况，如上图中的11px，这个不用担心，不影响大局。）

4、倍率

在对banner图进行输出时要考虑倍率的大小，每个产品会根据产品的特性来决策输出的倍率，有些产品用二倍图输出，有些产品用3倍图输出，各有利弊。

标准分辨率的显示器具有1：1的像素密度（即@1x），其中一个像素占位一个点。高分辨率显示器具有更高的像素密度， 2倍或3倍的比例系数（即@2x、@3x）。当1倍的位图放在2倍或3倍的尺寸下时，就会出现图片损伤现象（失真），那么我们到底该用几倍图去制作banner图呢？

方案一：两倍图输出

优点：导出文件比@3x小，可平衡图片质量和线上文件大小的一个优质方案。

缺点：虽然@2x可向下适配@1x，但适配@3x放大后图片会微微模糊，所以我们如果要用@2x导出图片，那么banner内的文字不能过小或过于密集、粗旷，画面中也不能出现过多的效果，不然会看出明显的模糊痕迹（如下图的顶部文字与按钮文字放大后就有明显的模糊痕迹）

方案二：三倍图输出

优点：@3x可向下适配@1x与@2x，能够很好的保证不同尺寸下的图片质量，对视觉要求高的项目就必须用3倍图来设计。

缺点：输出的文件相对较大。

5、图片适配

图片的适配类型非常多，对于不同的布局适配场景我们选择的适配方案也不同，图片适配一共分为3大类：智能适配、设计师制图适配、用户裁剪适配。

1、智能适配：

简单来说智能适配是指通过后台代码的约束对上传的图片进行智能匹配，匹配内容包含图片大小、图片尺寸以及图片的展现方式。

图片大小：可以限制上传图片的最大尺寸。

图片尺寸：可以限制图片的长（宽）最小值，也可以限制图片的精准尺寸。

图片展现方式：可以设定图片在容器中的呈现方式，下面是最常见的8个图片呈现方式。

*智能适配之Feed流图片适配

当你无法保证用户发几张图片，无法预估图片的比例时，我们就可以去设定它相应的规则使之适配。

*1、单张布局：

不管用户上传几张图片，Feed流中以一张大图进行展现，使用大图布局的图片适配方式一般有两种，一种是给予图片一个容器大小，让其内容全部展示；另一种是按照图片的上传比例而变化。

*1-1给予容器大小

我们可以给予图片一个容器尺寸（如：300X300px），无论图片有多大都不能超过此容器，为了让图片内容全部展示出来且不变形，我们可以让图片保持正比例缩放，使长边能完全显示出来（左上或中心区域）。这一类的适配更偏向于以内容为主的产品，下面是常用的两种适配方案：

*1-2随图片比例而变化

如果你想保证图片最佳的大图预览效果，那么就可以采用随图片比例而变化的方案，当用户上传不同比例的图片时，图片展示的高度与宽度会根据我们提供比例缩放。采用该适配方式能将图片信息表达完善，图片占用空间大，适合图片质量高，这一类的适配更偏向于以图片为主的应用。

要做这类适配时我们首先要设定裁切的比例，裁剪比例一般设置为常用的图片比例 1:1、4:3、3:2、16:9。我们上传的图片可以根据图片的比例进行自行匹配。当图片越接近正方形则选择1:1，当图片长宽比例越大则选择16:9。

用户上传的很多图片并不是标准比例，如果存在多余像素，那么可以采用保持图片正比缩放，从图片中心区域展示，根据比例一共可以分为7种展现方式：

我们可以看到上图，根据不同比例的尺寸展现出来的页面占比也是不同的，如果产品对页面承载信息量有较高要求，那么可以去除16:9、3:2、4:3的纵向尺寸。

*2、瀑布流：

瀑布流的图片适配方法需要规定图片比例，并且每个比例的容器大小是固定的，呈现方式也是保持图片正比缩放，从图片中心区域展示。

*3、宫格：

宫格式布局简单来说就是有规律的方形布局(1:1尺寸)，宫格布局的形式多种多样可以是九宫格、四宫格、三宫格，下面以较为复杂的九宫格的适配为例，当然最好的参考或者最常见的就是微信朋友圈。

2、设计师制图适配

对于特殊页面的图片展示，我们为了呈现最好的视觉效果，需要设计师对图片进行单独尺寸的适配设计，并且输出多个尺寸的图片进行上传。

例如在适配开屏页时就对其进行了单独的制图适配，想要让二倍图适配三倍图，最简单的方法就是把画面的上下区域留出更多的空间，中心画面放大10%，可操作按钮放置画面安全区域：

如果设计师不进行制图适配，把适配交给程序处理，那么最终呈现的图片就会显得非常糟糕。如下图1的强行适配，使得整个banner比例非常不协调，让人看了后觉得十分廉价；下图2则稍微好一点，虽然保证了画面的视觉中心，但是整体画面看起来过于饱满，没有任何呼吸感，并且“点击参与”按钮过于靠下，容易与home指示器造成误操作。

3、用户裁剪适配

当用户想要呈现某些重要信息或识别性信息时，就可以把主动权交给用户，让用户进行自行裁剪，如头像、身份证信息。用户上传图片后，我们可以给用户设定一个默认裁剪区域，当用户不想进行繁琐时可以直接默认系统裁剪，如上传头像，我们可以把默认区域设置为图片的中心区域。

小红书在选择头像时默认裁剪区域是图片的中心区域1:1圆形，并且图片是短边显示，无论什么比例的图片都能全部展示在选区内，当你想要把图片脱离到选区外，系统会自动使图片弹回。未选择状态是选区内图片高清，选区外图片模糊，选择状态则是选区内图片高清，选区外图片黑色不透明遮罩（高透明度）。

微信在选择头像时默认裁剪区域是图片的中心区域1:1正方形，图片一样是短边显示，也不能让图片脱离到选区外，但是能拖动并放大缩小选区框。未选择状态是选区内图片高清，选区外图片有黑色不透明遮罩，选择状态则是图片内容全部高清呈现。

作者：黑狮力   来源：站酷

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前言

2021年至今「逆反差字体」这个原本偏小众的字体设计风格，从卷土重来到广泛应用，再次受到诸多设计师的追捧，一股新浪潮扑面而来。

纵观它的出现、流行与发展，身为设计师，期待本文可以通过对经典设计的客观分析，蓄力字体设计领域的经验和技巧，为2022年的创作积累更多灵感。

特征

PART 1.

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商业的发展与驱动

Reverse contrast现在国内被称为「逆反差字体」。设计师皮特·比亚克（Peter Biľak）在2012年发表的文章中曾提到：这种逆反差字体的设计是有意通过违背读者的预期来吸引注意的，怪异的字母形式在日益饱和的商业信息世界中脱颖而出。

PART 2.

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打破认知 重塑观感

二十世纪中，荷兰著名书法家和设计师格里特·诺泽尔（Gerrit Noordzij）倡导以书写走向作为字体设计的基础，通过习惯来定义书写理论：平移和扩张。这个逻辑反映出人们对拉丁字母普遍造型认知：横细竖粗。

竖笔画在西文字体中起到承重、平衡结构的作用。如果颠倒粗细对比关系，使其横粗竖细，就会造成横向视觉，让人产生印错的感觉，这与传统的三大主流西文字体的设计方法也是相差甚远。

逆向设计的规则营造出视觉上强烈的差异感，比起普通字体更怪诞、夸张，更具有戏剧性和情绪化，让人印象深刻。它最大的特点是重构了拉丁字母的视觉比例。经发展，中文表达上使用“逆反差”还是生动准确的。

知丨西字历史（逆反差字体的思辨）

PART 1-1

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溯源

在商业广告海报张贴应用中Caslon Italian字体被铸造出来。这是19世纪初，工业革命在金属活字印刷领域的一个新奇的创新。

1825年，印刷工和社会改革家托马斯·卡森·汉萨德（Thomas Curson Hansard）把逆反差字体描述为“排版怪物”。

1854年，French Antique字体发行，造型如铁轨般的字型引来了一种新的风格——French Clarendon。它在美国广告制作中展开了大量生产使用。在获得市场认可后的半个多世纪，它仍在马戏团的海报和西部电影宣传上被广泛应用。

这组彩色的活字印刷样本，让逆反差的设计风格在当下更显复古。

19世纪，在追求创新的欧洲人看来，逆反差字体的古怪造型仍是离经叛道的。而现代设计师则带着更多反思和辩证，以非传统的审美来认识这种字体风格。

PART 1-2

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遍布世界

20世纪，逆反差字体的浪潮席卷欧洲。瑞士著名的字体设计师马克斯·米丁格（Max Miedinger）于 1954年设计了自己的第一款逆反差字体Pro Arte。大名鼎鼎的Helvetica字体就是由他设计的。

20世纪80年代，远在亚洲的日本也接受了这股“逆浪潮”。当时的动漫和游戏开始风靡，热血与科幻的世界里结合字体夸张的造型，让设计简直天衣无缝。

1980年，在游戏UI中诞生了世界上第一款逆反差像素字体，让游戏世界充满着奇幻感。

这种像素化的设计方法，如今是很潮的视觉表达。

80年代，逆反差字体在音乐和书籍等多个包装领域的应用也是继往开来。

PART 1-3

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今日应用

逆反差字体从未真正流行但也从未被抛弃过。如今，除了趣味盎然，又增加了更加疯狂的风格效果，最为典型的是Maelstrom。很多字体的诞生，都证明着逆反差的无无限可能性。

感丨汉字之力（民族文化的养分）

西文有着较为完整的逆反差字体更迭历史，汉字相对创造力偏弱。中国设计师在进行汉字逆反差设计的探索时，不妨大胆些，打破局限，从中国书法中吸取创作养分，这是民族文化理解上的考验，也是对民族文化的尊重。

PART 2-1

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汉字书法与逆反差实践

大多书法风格多变，并没有严谨的横粗竖细。不过，难得能在清代的漆书中找到横粗竖细的规律存在，它牺牲了部分汉字的视觉结构，传达出一种钝拙感和趣味性，这正是漆书的魅力所在。

汉仪2020年1月出品一款汉仪吉金，灵感来源就是漆书，在其基础之上造型更加现代。

民国时期，在广告招贴、书籍封面上，也能发现很多逆反差风格的字体设计。这些都是汉字设计上逆反差的初次实验。

PART 2-2

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汉字逆反差的设计鉴赏

徐学成是中国第一代字体设计师，在晚年仍坚持实验性设计的尝试，1998年他主持设计出华康雅艺体这款逆反差字体。

造字工房也推出过几款视觉冲击力强、节奏分明、充满艺术张力的字体：造字工房溢尚真体、彩体、超凡体等。

3type（三言）设计研发的基本美术体，在2020年10月进入试用阶段。它简单明了，拥有大胆灵动的字形，是为数不多的优秀中字逆反差字体。

基本美术体也是本文的灵感来源。曾路过顺爱烤肉公司，被牌匾上的字体所吸引，便开始了我对逆反差风格字体的探索研究。

日本一度受到美国Fantail（扇形尾）风格的西字影响，也展开过一系列的实验性尝试。最为典型的是写研在80年代，推出的「扇尾兰」字体，它凭借写研在行业内的影响力得以广泛的运用。

其后，C&G 花束字体、TA-Sigma字体等，这些极具逆反差风格的扇尾字形也在市场应用中大放异彩。

PART 2-3

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案例赏析

历经200年的锻造与发展，逆反差字体如今获得了越来越多设计师的青睐，中外设计有目共睹。

野兽派美学（The brutalist aesthetic）频繁的应用于当代平面设计和网页设计中，逆反差字体有着原始且未经雕琢的质朴风格，往往在简洁精致的物体上形成鲜明对比，增加设计内容的趣味性。

悟丨关联与创造（结语）

近两年，看到了很多比例夸张、造型狂野的验性字体形式出现，这要归功于酸性设计的盛行。

酸性设计，是一种主观情绪化、美感与欲望交织、传达致幻又辛辣酸涩的一种复杂感受的体现。它强调出了失调和混沌共存的状态，这和逆反差字体的反叛精神极为契合，二者结合来表达科幻感与未来主义时情绪饱满而热烈。希望本文能帮助更多朋友梳理逆反差字体与设计风格的关联性。

逆反差字体是一场字体设计的视觉革命。看似怪诞，其实是对视觉设计规律的突破与创新，虽“有悖常理”，但并非昙花一现，它在字体设计的历史上拥有自己长久的舞台。

任何一个新颖的设计浪潮，都会影响设计师的设计表达。我们能做的就是感受浪潮、寻找源头、思考走向，随时精准有力的拥抱变化。

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本次跟大家聊一个比较纯粹的艺术风格，英文原名叫“Minimal Art”，为什么一开始就上英文呢，因为这个风格特别多不同的翻译名，如果只看中文资料有时候你不知道原来不同书籍中谈的是同一回事。

我列举几个常见的名称，分别有“减少主义“、”极少主义“、”质朴艺术“、”ABC 艺术“跟”极限艺术“等，因为”Minimal“是极少的意思，所以不同的研究者根据理解作了不同翻译。

极限艺术雕塑作品

这个艺术的特征是用极少的形式，极简单的色彩，通过绘画或者雕塑来表达一种周密的理念。

“ABC 艺术“这个名称要特别说明一下，因为 ABC 是拉丁字母表开始的字母，有简单初步的意思，而且顺口，所以在运动初期就有人以这个名字来称呼。

极限艺术绘画作品

在我们的讲述内容中，统一以“极限艺术“来称呼。

大家对这个艺术相信比较陌生，因为确实是比较“脱离群众“，史太浓可以列举一个历史作品拉近这种距离，那就是 1957 年在米兰画展上诞生的《纯蓝》，作者是法国艺术家伊夫·克莱因（Yves Klein）。

克莱因作品《纯蓝》

这个作品就是一张图上铺满一片由克莱因自己混合的蓝色，其它什么都没有，但是这个蓝色纯净得直击心灵，蓝得很理想，很绝对，展出后马上引发轰动，克莱因跟他的蓝色都一炮而红，这个蓝色就是后来大名鼎鼎的“国际克莱因蓝”（International Klein Blue，简称 IKB）。

伊夫·克莱因

说到这里肯定还有朋友不甚了解，不过没关系，这个“克莱因蓝”诞生后曾经火遍过时尚圈，迪奥（Dior）、纪梵希（Givenchy）等大品牌都曾经推出过“克莱因蓝”色的服装设计。

迪奥曾经推出的“克莱因蓝“包包

而在 2021 年时候，这个蓝色又再复兴，被不少设计师用于商业设计，比如知名设计师潘虎老师不久之前为植物医生设计的产品包装就采用了这个“克莱因蓝”，效果非常惊艳。

植物医生的产品包装设计

克莱因当时的这个叫《纯蓝》的作品，就属于一种极限艺术的一种。

为什么产生极限艺术

“至上主义”绘画作品

第二个端点就是在 1960 年代的美国，我们先从这里讲会比较好理解，因为这个运动其实主要就发生在美国，在欧洲的影响都不算太大。

如果一直有看史太浓「风格列传」的朋友就清楚，1950-60 年代的美国曾经有过“抽象表现主义”（Abstractexpressionism）跟“波普艺术”两个重要艺术运动，而极限艺术的诞生跟两者密切相关。

抽象表现主义风格作品

此处顺便多说一句「风格列传」的正确“打开方式”，就是每一个篇章的内容虽然各自独立，但应该顺着时间线顺序来看，这样会更加清楚很多艺术风格的承接关系。

因为极限艺术可以说就是针对抽象表现主义与波普艺术而发起的。

极限艺术阵营中的成员认为，抽象表现主义仅仅是表达艺术家一种瞬间的感觉，太不严肃，而波普艺术更是刻意要打破艺术中的高低雅俗，是反艺术的行为，这两种运动对于艺术发展而言都有着高度危害性。

60 年代的波普风格作品

当然，这是极限艺术阵营的看法，所以它的诞生就是要明确的反对前两者，并消灭他们。

极限艺术主张艺术创作必须通过精心设计，有周密计划，而且作品必须是通过高度专业训练形成的结果，类似抽象表现主义那种随意性及波普艺术中的平庸商业感都是“垃圾“。

有了战略目标随之就是战术考虑，于是极限艺术的成员们就从 1910 年代时候马列维奇创作的《白上白》这个作品中找到形式的灵感。

马列维奇作品《白上白》

马列维奇曾经说过：艺术不为政府与宗教服务，不描述行为历史，仅仅表达客观对象，表明简单的客观对象可以存在，不依赖于任何东西。

这种理念被极限艺术者们十分推崇，听上去也确实非常高端。

因此至上主义这样极其简洁的表现形式就成为极限艺术的首选，由此可见极限艺术在反对“抽象表现主义”的时候，其实也是从他们的源头“抽象主义”那里分割出来。

马列维奇作品《黑色正方形》

这种关系真心不好理解，我举个宗教发展的例子，比如天主教中曾经分裂出东正教，随后又再分裂出新教，但三者的主张不相同，而且新教是因为反对前两者而诞生的，大致这样，也许还不够贴切。

极限艺术源自抽象主义还有两个佐证，就是他们的思想根源除了靠拢马列维奇，跟“风格派”（详见「风格列传」-风格派篇）中蒙德里安（Piet Cornelies Mondrian）的艺术思想也十分一致，蒙德里安认为艺术品被创作出来以前，必须在艺术家的头脑中完全成熟。

蒙德里安的风格派作品

蒙德里安的绘画艺术曾经被我们收录进抽象主义的范围进行讲述，这里要补充一句，就是关于艺术流派之间的关系难以理清，通常每个研究者都只能是无限接近，或者说各自有一套归纳方法。

另一个佐证就是很多极限艺术家之前就是搞抽象表现主义的，我们后面会介绍一下，这种情况太常见了，比如很多后现代主义设计师是从国际主义阵营中转变的，超现实主义艺术家很多从达达主义中产生。

我们在谈抽象表现主义的时候讲过一个分支，就是色域绘画，其实跟极限艺术在形式上已经非常相似。

抽象表现主义中的色域绘画

当然，极限艺术家们指责抽象表现主义与波普艺术的作品没有思考是有些过分与不厚道的，等于说人家混饭吃，也等于一些甲方苛责设计师设计出品不上心一样，这些其实都无法证明，只能是主观感受或者是刻意发难。

那么，极限艺术在抨击他人的时候，自身的表现形式有什么特点呢，我们接下来看看。

表现形式与奠基人

其实马列维奇的至上主义具有很理性的本质，简洁图形的背后都有严谨的数学与几何思维，这一点就属于极限艺术的理论基础。

马列维奇

他跟马列维奇是老乡，构成主义跟至上主义有着师承关系，意思是构成主义的一些思路源自至上主义，两种风格基本上是并行发展的，而构成主义更偏向设计这个端口多一些。

塔特林当时提出过一个艺术理念，就是：真实的空间感与真实的质感。

工作中的塔特林

这种理念跟至上主义一样，都尊崇严谨的理性主义及数学思维，再形成审美品味，而且是一种比较曲高和寡的高度审美化。

塔特林的这个理念后来主要体现在极限艺术的雕塑作品中。

这里我想到了古龙小说中的小李飞刀李寻欢，他的武功特点就是不管对方怎么厉害，他都是一刀解决，所谓“小李飞刀，例不虚发”，没有任何花哨的招式，一招致命。

《小李飞刀》又名《多情剑客无情剑》

确实是种深不可测的武功，这个时候我们再回看克莱因的《纯蓝》也许就是这种味道。

但如果你让我说清楚《纯蓝》到底表达了什么，坦白说不可能，我不认为除了作者之外有人有资格谈作品的创作概念，如果谈都是扯淡居多，赏析没问题，可以谈感受，或者揣摩作者想法。

克莱因作品《纯蓝》

但有一点可以肯定，克莱因调出这个颜色花的功夫费的心思不亚于爱迪生研究他的电灯泡。

极限艺术正式的开始被定义在 1959 年，当时美国纽约的现代艺术博物馆举办了一个画展，一名 23 岁名叫法兰克·史提拉（Frank Stella）的青年艺术家展出一张名为《16 个美国人》的作品。

史提拉作品《16 个美国人》

作品画面空空如也，只是黑色画面上有简单白色直线条，非常耐人寻味，但产生很大影响，极限艺术第一枪就这样打响，或者说浮出水面，开始逐渐形成流派与理论。

这个风格另外还有两位重要奠基人，分别是巴涅特·纽曼（Barnett Newman）及阿德·莱因哈特（Ad Reinhardt），两人最初也是活跃于抽象表现主义阵营，后来投身到极限艺术的探索。

纽曼与莱因哈特

先说一下纽曼，他在美国属于波兰的移民，生于 1905 年，1922 年开始学习绘画与艺术，1930 年代之后逐渐全职从事艺术创作。

1948 年时候，43 岁的他创作了一张名为《温曼一号》（Onement 1）的绘画，画面就是黑红的底色上画了一条橙黄色条纹，非常简单，属于极限艺术的潜伏期作品。

《温曼一号》

纽曼从这个作品开始就一直以这种风格进行创作，他的作品尺寸非常大，而且几乎都是一个底色上画些横线或者画些竖线，然后就没有然后了。

所以当他在 1950 年开始搞个展的时候引发艺术评论界的批判，因为也有混饭吃的嫌疑，直到 1960 年代极限艺术理论体系逐步完善，而且有走红迹象的时候评论界才改变对他的态度，转而将他奉为极限艺术的大师。

纽曼的极限艺术绘画作品

所以有时候，成也媒体败也媒体，评论界有一部分评论家对艺术的评价常常见风使舵，针对自身利益出发，比如希望吸引大家注意力，就像如今很多吃“人血馒头”的自媒体。

不管如何，60 年代的纽曼成名了，然后他的作品影响另一位艺术家，那就是前面谈到的另一位奠基人阿德·莱因哈特。

莱因哈特比纽曼年轻 8 岁，生于 1913 年，早年从学习设计转而进修艺术，1937 年到 1947 年期间都是抽象表现主义流派的成员。

他的早期作品色彩鲜艳明亮，有着硬边几何的形式风格，有点像立体主义，也像风格派。

莱因哈特早期作品

1950 年代开始他就将自己的创作形式变得越来越简单，比如将作品限制在单色范围，而到了 1960 年代，因为纽曼的影响，他坚决投身于极限艺术的创作中。

他的作品开始表现变得更加极致，大部分都是采用不同明暗程度的黑色长方形进行重叠，非常单纯，如果用前些年比较流行的网络语句来形容看他的画，就是“看了个寂寞”。

莱因哈特极限艺术绘画作品

莱因哈特除了创作之外，热心于通过写作及演讲来推广极限艺术，产生不错的效果，所以大家将其视为极限艺术的奠基人之一。

极限艺术与雕塑

极限艺术除了在绘画中表现，还有一个重要载体是雕塑。

有些从事极限艺术的艺术家本身横跨绘画与雕塑两个领域，其中最突出的就是法兰克·史提拉（Frank Stella）。

法兰克·史提拉

他被誉为美国最知名的极限艺术大师，原因在于他的作品有强烈个人特色，早期主要进行绘画创作，随之转向雕塑与装置，正是雕塑作品让他成了大名。

史提拉成大名的原因在于他反其道而行，不是采用“少即是多”（Less is more）的原则，而是“多即是少”（More is less），将作品做得非常繁杂。

史提拉的绘画作品

这里很多朋友就奇怪了，那不是跟极限艺术中的“极少”产生矛盾吗？所以史提拉是将极限艺术拔高到哲学高度，让人产生深刻的思辨。

情况如同硬币的两面，如果在一张白色画纸上只画上一笔黑色，大家的注意力就只集中黑色，但当黑色的笔画不停增加，直到最后只剩下一小片白色底色时，大家则变成关注白色，所以“以少见多”变成了“以多见少”。

史提拉的绘画作品

再比如一个人最开始只拥有一个专业身份的时候，他感觉很少，但其实因为这种少形成的专注让他拥有更多，分别是专业领域深度上的多跟时间自由上的多，因为专业上的极致能让回报更大，越到后面越轻松自如，能腾出更多时间放在生活。

而当身份越来越多自以为拥有更多时，因为散焦反而让收获更少，疲于奔命失去生活。

史提拉的绘画作品

举个更现实的例子，当你买多一部车或者买多一套房子的时候，确实物质的拥有多了，但会相应产生一系列更多的问题，比如忙于车的停放、保养、改装，俱乐部活动。

拥有多一套房子就要多思考新的装修，摆设，还不得不做更多工作还贷，所以这时候“多”与“少”让人迷惑，根本无法分辨清楚到底是多还是少。

史提拉在这方面最著名的雕塑作品是 1990 年创作的《梅杜莎之筏·之一》（法国浪漫主义画家席里柯有同名作品《梅杜莎之筏》）。

史提拉作品《梅杜莎之筏·之一》

这个作品使用一个坚固的金属支架，横向支撑出一大堆支离破碎，缠绕在一起的金属片、金属线与金属构件，看上去就是一团乱糟糟。

史提拉对这个作品没有作任何解释，他说作品没有象征意义，没有隐喻，所有内容与思想都在作品本身，大家只需要观察，这一点倒是很符合前面谈到的塔特林艺术理念，就是：真实的空间感与真实的质感。

史提拉的其它雕塑作品

其他极限艺术的雕塑作品则跟主流的极限艺术绘画差不多，都是用最少最简单的形式进行创作。

比如卡尔·安德勒（CarlAndre）在 1969 年创作的《镁和镁》（Magnesium-Magnesiumplain）,其实就是用 30 厘米见方的镁金属以 6*6 的数量（有一个版本是 12*12）铺在地上，简单到不得了。

安德勒作品《镁和镁》

展览过程中也没设阻挡，所以经常有观众很自然的从上面走过，以为是金属地板。

安德勒的创作特点就是喜欢采用现成品以数学的韵律进行不同方式的组合、排列、堆砌形成简单的雕塑，大部分是金属片材、砖头、木块等。

安德勒与他的雕塑作品

还有一位知名的极限艺术雕塑家名为罗伯特·莫里斯（Robert Morris）。

他在 1988 年时候创作名为《艾尔斯》（The Ells）的雕塑作品，其实就是三个 L 字形状的铁笼用非对称的方法进行摆设。

莫里斯作品《艾尔斯》

莫里斯有时候也很喜欢采用圆形进行创作，这种几何中最基本的形式被很多极限艺术家喜爱，因为圆形统一又简单，同时具有饱满的形式特点，他的作品常有这种元素。

莫里斯极限艺术雕塑作品

极限艺术的雕塑情况大致如此，余不一一。

结案陈词

极限艺术其实发展到如今都仍然存在，但声势明显变得比较弱，因为他主力反对的抽象表现主义及波普艺术都衰退了，等于也失去发展的着力点。

现代家居中的极限艺术装饰画

情况就如同商业市场，百事可乐需要可口可乐的存在，麦当劳需要肯德基的存在，所谓遇强越强，对手变弱甚至消失，也会让自己也不再进步甚至消亡。

我们如今还经常会听到设计中的 “极简主义”，其实并非完全一回事， “极简主义”更多是种延展的设计概念，还是属于基于功能问题为基础的形式考虑，而极限艺术不需要考虑任何功能。

极限艺术海报《皮尔斯怪兽公司》

在一些概念海报，装饰画或者公众装置艺术中极限艺术仍然适用，至于怎么才能真正用好，这期分享相信一定对你有所帮助。

文章来源：优设   作者：设计史太浓VS远麦刘斌


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为什么需要高效？

当下互联网进入以内容运营为核心的时代，市场竞争激烈，需要对于市场的热点进行快速反应，持续迭代。不管是大厂还是小厂的UI设计师多多少少需要支援运营需求。U1S1 做简单运营图对于体验设计方向的设计师来说，性价比确实有点低，一般难度较高的运营设计需求都由专业的视觉设计师来做，体验设计师一般接到的都是比较简单或者紧急的需求，这对于设计的能力提升来说是比较有限的，大量的时间被占用在运营设计上，持续被榨干，有些本末倒置，但人生就是这么操蛋，总得想办法解决。

Banner构成拆解

就目前大部分互联产品的Banner而言。

其构成一般由标题文案、主体元素（人物、物品等）、背景（场景、底色等）元素构成。

模板化沉淀

面向设计师：模板化运营设计 + 素材资源同步盘

第一种方法是本文的核心方法，原理很简单，其实就是利用Sketch和或者Figma的组件化（为了统一语义本文统一称为组件，其子集为用例）进行设计。

我们将这些元素分别打包成组件.

把组件的用例调整后放置在预览区所有不同尺寸的画板中。

当出现需要特殊调整的时候可以解绑微调。如果希望给画面添加一些细节的话，再另外添加即可～

这么一波操作，大概1个多钟就可以输出一整套7个图，足以应付一周22套运营图的需求了（悲伤的故事）

当然要达到这种速度还需要一个通用素材库的加持。空闲时间把一些KV的图素拆出来放到Eagle共享盘，这样你和你的小伙伴们就可以高效愉快地拉图了...

面向运营同学：创客贴等第三方设计平台

在创客贴搞个团队模式，然后设计师把常用的一些模板上传上去，运营同学只要自己改改文案，换换人就可以啦

设计规范制定

虽然有了模板化的设计工具，但如果缺少了设计规范的引导，就会宛如脱缰野马，设计出各种偏离业务需求或风格不一致的Banner出来。

设计规范需要与运营同学共同协商制定，比如标题最长长度、排版构图、图素尺寸等等。具体规范需要根据不同的业务需求进行定制化。

下面就以我们团队的制定方式作为范例说明一下。

排版构图

常规的排版构图模式有居中式构图、左右构图。

居中式构图：居中式构图是将主体放置画面的中心进行构图。这种构图方式这种构图方式的最大优点就在于主体突出、明确而且画面容易取得左右平衡的效果

左右式构图：左右构图将文字标题元素和主体物按照比例分割进行位置安排。符合用户阅读习惯：阅读视线要符合用户从左到右或从上到下的浏览习惯。

尺寸

Banner的尺寸需要根据UI界面的需求进行制定。

例如针对我司的产品，一个活动最多有7个运营位的样式，分别在首页、搜索位、文章封面、活动中心、闪屏等。

标题长度限制

由于运营同学有时候对于标题的长度没有经过精简优化，标题特别长长长长长长长长，加上Banner本身就小，在手机屏幕上基本看不清，也就没有意义了。因此需要共同制定好主标题副标题长度限制，超过就直接打回重改。

出血设置

制定出血位的原因是某些尺寸的图素可能出现在多个不同的入口，以及不同尺寸的手机屏幕可能会出现裁剪的现象。

视觉走查

不论是设计师也好，运营同学也好，完成设计之后最好建立一个视觉自查表进行对照，目的是尽量减少一些原则性错误，减少来回改稿的情况。

流程化闭环

为了更完美的提升整个流程效率，不仅需要升级中部流程，前后端的流程都需要进行优化。

首先是最好在需求的前端建立需求排期表进行需求的筛选。

分门别类地将需求的详细信息进行可视化展示，对应的需求文档接入。这里不得不吹一波飞书文档，太**好用了。

针对需求的后端即设计交付环节，最好是在设计稿导出的时候使用工具进行压缩，更小的体积意味着更快的加载速度，这对于提升产品的用户体验是毋庸置疑的。这里推荐2个工具：

1.imageOptim

2.Picdiet https://www.picdiet.com/zh-cn (个人推荐JPG使用这个网站，压缩的质量最高)

总结

最后，如果实在人力不足的情况下，就把项目外包出去吧，毕竟占用UI设计师太多时间产出如果没什么价值的话，其实roi也是很低的，设计师的人力成本也是钱！

“能用钱解决的问题，就用钱解决！”—— 鲁迅

如果运营经常提出很多无理的需求，比如量很大，没有什么依据都是拍脑袋想的，那可以考虑把项目外包出去，一旦外包出去，花的就是真金白银，让运营也知道，这是设计师呕心沥血画的，市场的价格就摆在那，整天搞些有的没的是否真的能对项目带来价值。

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本文做设计探讨交流分享，不涉及商业，如有不足多多指教。 其中的优秀案例、插图部分来自站酷、花瓣和百度（详情请查看原链接）仅供参考学习。 

 本文从“视觉专题设计简述”也就是视觉专题设计的基础理论、“专题设计思维养成”就是总结一些常用的设计前期思维方向如何找到和“案例参考”三个部分构成。

首先是视觉专题设计简述：  

大家有知道”视觉传达艺术设计“专业吧，这个作为大学艺术设计专业中的一种（Visual Communication Design）是为传播特定事物通过可视形式的主动行为。大部分或者部分依赖视觉，并且以标识、排版、绘画、平面设计、插画、色彩及电子设备等二度空间的影像表现。总之就是针对眼睛可以看到的具备美学影响的设计符号，称之为“视觉传达”。 

视觉设计的领域很广，总的大致分为7种，所以印象中视觉传达专业的同学会的都挺多！！！哈哈哈 

字体设计、标志设计、 插图设计 ，这三种就是字面意思，大家也常接触就不做文字说明。 

而下面这几种，我用括号内的文字做区分说明。

编排设计（文字、图像、图形、广告招贴、书籍等编排设计） 

广告设计（主题、创意、语言文字、形象、衬托等要素组合进行平面艺术创意的一种设计） 

包装设计（综合运用自然科学和美学知识，为在商品流通进行的包装造型、结构、装潢设计） 

展示设计（主体为商品，在既定的时间和空间范围内，对展示空间的创作过程）

当视觉设计前面加两个字，“视觉专题设计”，这个就是将视觉设计加了限制条件，是针对产品某个主题活动，以特定风格传递产品想要表达的信息，为提高产品转化率，达到流量、曝光、口碑收益的运营设计。 

如果说需求方让你只是做一个视觉设计，那么他们的需求就是为了能够准确传达信息，有些童鞋做设计过于自嗨，沉浸自己的设计风格中，没有get到需求方一个简简单单的想法，他们只是想要传达信息，所以给出合适的信息展示就能完成，而设计图片的美感只是锦上添花，你说他们的审美不过关，也能否先反思一下自己的设计图是否能让别人不思考就看懂。如果他们要求是一个专题设计，这是为品牌服务，最后落脚点是品牌，那他们需要的就不仅仅是个美感、信息传递、突出符合产品自身的调性，以及带来流量的设计才是他们想要的目标。

 因此想要做好一个视觉专题，不妨倒推一下整个专题设计的目标： 

1. 流量增长（当今最具价值证明，数据说话） 

2. 曝光增加（好的坏的，只要有，就有热度，就有话题，区别同类的“脸盲”） 

3. 口碑更好（毫无疑问对品牌属于积极正面的影响） 

4. 带来收益（前三条都是为这条准备，收益才是王）

 所以当我们产出一个设计任务时，可以从以下4个不同层次的设计把控点来，反思调整自己的作品：  

首先，基础层级是传递出准确的信息，也就是这个信息是能被人识别读懂（如果一个视觉专题设计产出除了设计师本人能看懂，其余人不明所以，那么只能说明这个设计够“艺术”不够“过关”）； 

其次，高一点的层级就是除了能准确传递正确的信息以外还能包含一定的信息量，说明这个设计传达出不止是一点有效信息； 

再来就是“视觉效果来源于匹配程度”，意思是看完这个设计我能够联想或者关联到一些和他相关的信息事物，证明此设计传达出了准确有效的信息还能让所有信息，规律的结合，成为观看者联想起过往浏览过事物与之匹配的事物； 

最高一层就是视觉与信息的唯一匹配，这也就是我以后看到这个设计就只会想起某个特定品牌， （例：看到少了一块的苹果图片，一定会想到“乔布斯的苹果公司、他的手机等”；看到一定会想到“腾讯公司的QQ企鹅”）

市场固定资源有限，想要瓜分到一口蛋糕， 现在每个企业都需要一定的专题设计来提升自己品牌的影响力，借机造势，作为企业形象与美誉度的提升突破口，结合各种销售玩法达到目标。

 企业发展的不同阶段对专题设计的要求也是不同，起初需要一个视觉符号来代表，让大众记住公司，这也是初期阶段受美学影响，各个公司和企业都想要注册商标；随着时间变迁企业的发展和转型需要，诞生了一批品牌符号，也就是我们常说的IP形象、文创、动漫、虚拟智能人工等等，这些是受营销思维主导催生的视觉设计产业链；最后能扛住时间检验，并且让自己的企业视觉设计做到极致，成为为社会文化审美的标杆，推动风格潮流的风向，就成为了一种特定的文化符号，这是所有企业向往的方向，也是最难成就的顶端。当我们能在制作自己的专题设计时，包含企业所想，那么你一定是个格局大家！

接下来是讲述思维养成的一些方法：拆解需求——了解清楚现在的事实、目前商业需求的背景，收集通常这样的需求在市场上的视觉风格，分析定量现状和定型现状，从而推导出商业假设，得出用户体验目标，反复推敲找出设计发力点。    

定量属性是指以数量形式存在着的属性，并因此可以对其进行测量。测量的结果用一个具体的量（称为单位）和一个数的乘积来表示。以物理量为例，距离、质量、时间等都是定量属性。

定性是指通过非量化的手段来探究事物的本质。其概念与定量相对应。

定性的手段可以包括观测、实验和分析等，以此来考察研究对象是否具有这种或那种属性或特征以及它们之间是否有关系。

定性研究是与定量研究相对的概念，也称质化研究，是社会科学领域的一种基本研究范式，也是科学研究的重要步骤和方法之一。

如果说定量研究解决“是什么”的问题，那么定性研究解决的就是“为什么”的问题。

 专题设计一般分为三类：活动、信息、组合；确定好自己的设计类型，

活动类专题设计——时效性强整体活动时间短、活动类主体利益针对人群、设计调性喜庆，通常大红色，

为了达到想要的商业回馈，争取利益点，主要信息简单明了； 

信息类专题设计——活动周期可循环、活动类主体利益是产品、设计调性多数贴合品牌性质，为了

稳固原有商业形象、让品质再次提升，拉近与用户的距离，多数采用品牌的ip或者文艺的插画来凸显温馨； 

举例为“京东618”和“face u”、“支付宝 花呗”、“飞猪旅行”各有特色 

信息组合类的专题设计——活动周期可长可短，也没有特定的时效性，既包含活动类的特点，也包含信息类的特点。它的定量现状和定性现状都可用不同场景区分。从举例就可看出， 

“阿里巴巴云栖大会”、“成都国际设计论坛”、“台北灯光节”、“海信发布会” 主视觉海报——

 思维方式2是分析构思： 

团队的小伙伴一起头脑风暴，发散思维写出与主题相关的，尽可能的多写，然后再根据意向分类，提取出自己关键词汇，结合词汇在脑海产生的视觉元素，整合筛选定好方向

 方向定好后，我们就要选取如何通过创意与表现，来实现专题设计让人记住。 

常见的创意方法，通过流行的表现风格做视觉呈现，如三维立体、手绘插画、赛博朋克等；

通过独特风格、操作难度高、技术含量大的表现手法做视觉呈现，如手工塑造、超写实还原、概念模拟等； 

通过具有情感化设计的图文做视觉呈现，图文具有强有力共性（例如“杜蕾斯文案”、“江小白酒情怀”堪称文案绝绝子······）通过动画实现等等···· 

而表现从浅至深就是，引导——刺激——价值 

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文章来源：优设 作者：YiVi_eleven

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首先，我们怎么去理解在作品集版面中的“精致度”。我觉得可以将其转化为“质感”，“细节”，“细腻”这样的词汇。其实“精致度”不足这个问题大部分同学也是能有所感知的，只是不知道哪里出了问题，也就无从下手。当然还有一小部分同学，可能并不觉得自己有什么问题，也无法体会修改前后的差别，这样的同学，我建议你平时应该多看一些优秀的设计作品，多沉淀一下，这样的方式对你帮助更大。

很多同学经常把“精致度”理解为形式感不够，或者是不够酷炫，这么理解是不准确的。这就好像一个产品，它的精致和它的外观设计并没有什么直接联系，而是更多的取决于这个产品的做工和材质。做工体现在接缝的处理，边角的打磨等等，而材质决定了其质感的好坏。那么同理，版面的“精致度”实际上和你的设计感也是没有直接联系。那么从哪些方面体现版面中的“精致度”呢？我结合自己的经验总结了以下几个方面：

1.舒适的间距。一个合适的，让人舒适的间距特别重要。无论是文字与的，或者说认为不重要的事情。混乱的，不统一的，不舒适的间距会让版面变的排布变的无章，这就好像一个产品各个部件的拼接接缝大小不一，会导致“精致度”下降。

2.大小比例。版面中所有元素的互相之间，以及相对于整个版面的大小比例问题。这个也是非常重要的一个体现“精致度”的地方。所有内容都过于傻大粗，无疑会让版面看起来非常粗糙。

3.层次感。层次感实际上是一个非常好的提升质感从而体现出“精致感”的手段。缺乏层次感的版面会显得非常的寡淡，以及在内容较多时可能会在视觉上造成较乱的感觉。那么如何提升层次感，主要是靠对比的强弱。比如：深与浅，粗与细，大与小，疏与密等等。

4.字体。选择一个精致好看的字体，对版面的精致度有一定的提升，不过还是要注意，字体的与版面之间的大小比例要注意。

5.配图。配图的质量也一定程度上影响了版面的精致度。无论是你自己做的图，比如分析图，效果图等，还是你网上找的图，如参考图等，都很大程度上决定了你这一页的精致度。

通过以上几点的提升，我相信你的版面“精致度”一定会有较为显著的提升，而版面效果也会看上去更为高级。不过这里还是要再次提醒，精致度和设计感是两回事儿，如果只有精致度，而设计感较差，那也是不行的。希望本期的内容对你的版面有所帮助。

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